Monica Mura si nutre delle interazioni con la società partendo da un’analisi centrata sulle tradizioni, la cultura e i canali che costruiscono la storia. Con un profondo impegno di genere che permea le identità e amplia il suo discorso dall’intimo al comune, ciò che spicca nel suo lavoro è questa condizione curiosa, che mette in discussione e si sorprende del contesto prossimo. I suoi linguaggi circondano il performativo, traducono e interrogano i corpi, si collegano al video e alla fotografia come una realtà espansa che documenta e sensibilizza chi osserva. Ausculta il sonoro, l’intenso e l’inavvertito, e conforma spazi di incontro in cui l’installazione si associa alla memoria e alla struttura di ogni luogo. In molti casi, le sue opere si articolano attorno all’esperienziale, come se lo scambio tra esperienze, le sue e quelle degli altri, fornisse la chiave del potere dell’empatia. Per questo, osservarle simula spesso il preludio a una percezione critica dell’ambiente, specialmente quando riguarda la questione identitaria. Parla di un mondo che celebra e contraddice allo stesso tempo, riflettendo le sue incoerenze dall’attivismo ma rivelando anche gli affetti. Ciò che accade con le sue immagini si intreccia al ritmo della vita come piccoli atti indisciplinati con cui deslocalizzare il quotidiano per trovarne le fessure. Per agire come quella crepa che rompe il ritmo del consolidato e lo rende diverso.
Sul piano visivo, il suo lavoro ha sperimentato un’evoluzione verso la sintesi della forma, mantenendo il simbolismo di una scala cromatica contenuta tra nero, rosso e oro. Abbandona gradualmente la figurazione alla ricerca del linguaggio della materia, comprendendo l’importanza degli stessi elementi che compongono le sue opere come potenziali narratori di storie. Sono storie che nascono generalmente dall’emotivo e iniziano dall’autobiografico, riguardano l’infanzia, gli incontri sensoriali, affettivi e interpersonali per i quali procura formule di interrelazione in cui il materiale o le decisioni di formalizzazione dell’opera intervengono nella sua stessa lettura. Qualcosa di simile accade in Ser son, progetto espositivo e performativo realizzato specificamente per la Sala Alterarte, in cui evidenzia la trascendenza culturale delle maschere di carnevale della provincia di Ourense attraverso la composizione di un paesaggio sonoro reinterpretato nel linguaggio contemporaneo. Con la complicità di vari gruppi di maschere della zona, l’installazione si propone sotto forma di dialogo: un dialogo con la tradizione, con la Galizia, ma anche con altre comunità del mondo e, nello specifico, con il suo luogo d’origine, la Sardegna, il cui carnevale è caratterizzato dalla danza e dalle marce di uomini vestiti con costumi, maschere e campane. Così, Ser son raccoglie il testimone di un’opera precedente, Sonallas, in cui Monica Mura utilizza una cintura di corde sospese con undici campanacci in ferro originali dell’isola italiana per attivare con il suo corpo la melodia di quel luogo che è casa sua e delle sue radici. Stabilendo un legame sensibile e culturale, questa volta trasferisce la sua proposta al caso galiziano collegando i diversi personaggi dell’entroido della provincia di Ourense attraverso il leitmotiv dell’uso delle campane nei costumi tradizionali.
Campanelle, sonagli, campanacci, chocallas, chocallos, axóuxeres, chocas, chocos, esquilas. … sono alcuni degli elementi che compongono l’installazione, conferendo a ogni maschera una corda dorata. In dialogo diretto con ciascuna associazione o prestatore, Monica Mura ha realizzato un’interessante ricerca sul campo per raccogliere dati sui materiali, le dimensioni, il luogo di fabbricazione, i tipi di campane utilizzate e le persone che indossano queste maschere. Alcune delle conclusioni ottenute sono state la progressiva perdita della produzione artigianale locale delle campane, così come la conversione verso pratiche più paritarie che hanno iniziato a prendere forma al riprendere l’attività dopo la fine della dittatura.
A differenza di quanto avviene in Sardegna, la quasi totalità delle maschere che utilizzano campane nel carnevale di Ourense sono attualmente indossate sia da uomini che da donne. Mentre i più veterani hanno iniziato a incorporare questa modalità negli ultimi decenni, i gruppi con minore esperienza nascono direttamente come gruppi misti. Risulta inoltre interessante conoscere il contesto etnografico di una pratica che comprende diversi approcci sociali. Attraverso conversazioni con rappresentanti di ciascun gruppo, l’artista ha potuto conoscere le storie individuali e collettive che attivano anno dopo anno l’autenticità dell’entroido e che si fondono tra generazioni, scoprendo aspetti come la relazione tra il tipo di maschera indossata e il potere d’acquisto di chi la porta, ascoltando testimonianze che collegano il rito al religioso o alle sospette dinamiche sociali e che custodiscono una memoria in continua evoluzione.
Eliminando l’impatto visivo delle maschere per concentrarsi sul loro registro sonoro, Monica Mura trasferisce nello spazio espositivo la musicalità identitaria di ogni luogo. Realizza così un’opera in cui l’evocazione dell’esterno e dell’ambiente festivo si percepisce nella minuta intimità della sala, rafforzata dalla sottile gradazione dei dorati che formano le corde con le relative campane. El colore dorato colloca il corpus creativo dell’artista in una tradizione connessa all’arte sacra, all’idea di divinità, all’evocazione dell’oro come sistema di potere e trascendenza che, nel suo caso, viene recuperato da un nuovo concetto: quello della resilienza. Entrambe le associazioni sono assunte con naturalezza con l’intento di transitare da un discorso legato ai sistemi di potere dominanti, solitamente connessi all’istituzione ecclesiastica, fino all’urgenza di restituire il potere alle persone; alle minoranze, ai legami che emergono dalla comunità. Questa particolare rivisitazione dei codici classici dell’arte riesce a innescare la dissoluzione delle gerarchie, producendo una dissociazione nella lettura tradizionale che si risolve attraverso la ribellione plastica. Simbolica, sintetica; minima ma incisiva.
In tutte le sue proposte, Monica Mura offre una sorta di resistenza: al pensiero dominante, alla norma, all’oblio. L’oblio scatenerebbe la ristrutturazione dei racconti sociali. In tal caso, bisognerebbe chiedersi a chi spetta l’invenzione di nuove tradizioni e da quale prospettiva si elaborerebbe la loro costruzione. In questo senso, Ser son si avvia come ricerca sull’entroido di Ourense da cui si deducono, come abbiamo visto, certi comportamenti ed evoluzioni. A Ourense, attualmente, troviamo 18 maschere attive che portano nel loro costume qualche tipo di campana e continuano a essere molte le generazioni che si preoccupano della loro preservazione. L’artista esplora questi presupposti come origine della sua opera, con l’obiettivo di conoscere il contesto del racconto che sta per costruire. Lo fa per custodire la memoria, ma anche per interrogarla senza perdere la capacità di giudizio. Da lì, si concentra sul corpo, su tutti i corpi, come promotori del folklore e usa il proprio come veicolo per aggregare le loro voci. Quando attiva gli elementi che compongono l’opera e iniziano a suonare i campanacci, chocallas, esquilas, chocos … si produce una sorta di esorcismo nella nostra percezione, un atto performativo carico di sofferenza e piacere. Si percepisce il peso di tante corde e oggetti portati da un solo corpo, la presenza fisica di quegli oggetti che insistono nel rivelare la loro trascendenza mentre vengono astraiti nella leggerezza della danza. Il suo sviluppo visivo propone una composizione centrale che incarna la metafora della tela di ragno: irradia verso gli estremi l’insieme degli elementi, fili che modificano e simulano frequenze, per cedere al centro lo sviluppo dell’azione e indicare nuovamente il corpo come creatore e detonatore. Se chiudiamo gli occhi, continuiamo a percepire le tensioni, i ritmi e le pause, le vibrazioni di un rituale in cui esercizio e improvvisazione abbracciano le differenze. Il suono dell’entroido, essendo ora altro attivato dalla prospettiva della creazione contemporanea, mantiene il sospetto della sua essenza.